viernes, 31 de octubre de 2008

Surveillance

Director: Jennyfer Chambers Lynch

Guión: Jennyfer Chambers Lynch, Kent Harper.

Reparto: Julia Ormond, Bill Pullman, Pell James, Ryan Simpkins, French Stewart, Ken Harper.

País: EE.UU

Año: 2008


Para sorpresa de muchos, Surveillance resultó la película ganadora del Festival de Cine Fantástico de Sitges de 2008. El filme esta dirigido por Jennyfer Chambers Lynch, hija de David Lynch, quien no había dirigido una película desde hacía 9 años.
La trama de Surveillance se va desgranando mediante flashbacks que nos muestran los horribles acontecimientos que ocurrieron en una carretera solitaria. En ellos están implicados una mujer, una niña y dos policías, y dos agentes del FBI acuden al lugar para averiguar que ha ocurrido. Los implicados son entrevistados por la agente del FBI (Julia Ormond) mientras su compañero (Bill Pullman) los observa mediante cámaras de vigilancia.

Es una película bien dirigida, que tiene una notable y cuidada producción pero que falla en su esencia: el guión. Llegando a mitad de película uno descubre el pastel antes de tiempo, y teniendo en cuenta sus características como thriller, eso es una gran decepción. Sin embargo, el gran trabajo de Julia Ormond y, sobretodo, de Bill Pullman, hacen de esta película un trabajo entretenido y curioso, aunque le sobran varios minutos de metraje.
De la película se pueden destacar algunos momentos del más cruel humor negro, la actuación de Bill Pullman y la escena en la carretera donde se nos revela todo.

miércoles, 2 de enero de 2008

LA PALABRA ("Ordet")

Direcció: Carl Theodor Dreyer

Intèrprets: Henrik Malberg, Emil Hass Christensen, Preben Leedorff-Rye, Brigitte Federspiel, Ann Elizabeth, Ejner Federspiel, Sylvia Eckhausen, Gerda Nielsen.

Nacionalitat: Danesa

Any: 1.955

Duració: 125 minuts

Obra profunda, contemplativa i essencialment religiosa amb la que Dreyer aconsegueix una armònica conjunció entre la forma i el contingut, entre el perfecte domini de la técnica, de la rigurosa utilització d´un llenguatge cinematogràfic personalíssim (l´estil de Dreyer) i la seva dimensió semántica, amb una profunda significació metafísica, mitjançant una posada en escena molt abstracta de principi a final, sobre tot en la llarga seqüència última del miracle, d´una economía de mitjans i estilització extrema, recolzada en una il·luminació estèticament preciosista i conceptualment coherent que aconsegueix un clima eteri, abstracte, obert a la meditació, apavaigador com la intenció moral del film.

Els elements i objectes materials que composen les diferentes escenes, malgrat del realisme del mobiliari i del vestuari dels personatges, tenen sempre una significació precisa, no han estat escollits a l´atzar, sinó que la seva selecció, la disposició als enquadres i la sobrietat ornamental concorden perfectament amb el contingut religiós del film.

La càmera es desplaça en funció del punt de vista de l´espectador, de la seva mirada, però que a la vegada és la que vol que adoptem en Dreyer, que pretèn transmetre una particularíssima idea de la fe i de la trascendència. A La palabra ¡no hi ha ni un pla-contrapla! i pràcticament no hi ha primers plans, sinó que utilitza panoràmiques i plans-seqüència, clars i lluminosos, llargs i pausats (que no lents) tenen el ritme just i adequat per tal de traduir el ritme interior del seu discurs, a mode d´una dansa perectament planificada i executada, serena, en la que els actors més que actuar sembla que simulin interpretar per a ells mateixos, reflexionant quan parlen.

Tot i l´indubtable component religiós present en el film, Dreyer lluny de pretendre un adoctrinament, ens presenta la religió com a causa de separació de les persones: entre Anders i Anne que no poden casar-se per pertànyer a famílies amb creençes divergents; entre Morten i Peter que rivalitzen per divulgar les seves enfrontades tesis cristianes; entre Mikkel i el seu propi pare, perquè ell no te fe “ni tan sols en la fe” i entre el doctor i el pastor, doncs la religió s´oposa també a la ciencia. D´aquesta manera la fe i el sentiment religiós adquireixen durant tota la pel·lícula un significat conflictiu, representen una concepció paralitzant de la vida, són el motiu pel qual en Johannes ha embogit. I com a contraposició, Inger, que es declara creient, li assegura a en Mikkel que ell si té l´essència del cristià: la bondat. Dreyer afirmà que La palabra era una pel·lícula fonamentalment sobre l´amor, més que sobre la religió. De fet, a l´escena en que Inger li diu a Morten, el seu sogre, “Yo creo que tú entiendes de todo menos de amor”, aquestes paraules adquireixen un significat revelador, sabent que Morten és un dels personatges que representa en el film la intransigència religiosa: l´amor humà i la fe integrista no són compatibles. I Dreyer que es decanta al final per l´amor humà (davant del miracle de la fe) vol deixar oberta, no obstant, la idea que les dues formes de vida, la de l´amor que ens reconcilia amb l´èsser humà i amb nosaltres mateixos, i el de la fe que apropa als qui la posseeixen honestament cap a una purificadora abstracció, son dues maneres de buscar la felicitat, i potser de trovar-la.

miércoles, 26 de diciembre de 2007

Los 400 golpes, Truffaut

Perdó pel retard però vaig enviar la pràctica a la bústia de lliurament i vaig oblidar-me de publicar la crítica de la pel·lícula al blog.


Los 400 golpes
Truffaut té el seu nom escrit amb lletres daurades a la història del cinema. El fet de que es convertís en un dels pioners de la revista de culte ‘Cahiers du cinéma’ el van convertir en un dels referents teòrics del moviment de la nouvelle vague. La nova onada de teòrics-directors va obrir un nou capítol en la història del cinema europeu i mundial ja que va suposar un trencament amb tot el que fins el moment havia estat l’ideari cinematogràfic. Amb ‘Los 400 golpes’ Truffaut enceta l’any 1959 la seva nova etapa com a director amb un llargmetratge, ja que abans havia rodat els curtmetratges ‘Una visita’ i ‘Los mocosos’.
Amb aquesta obra prima Truffaut va poder començar a plasmar el què durant anys havia defensat com a ‘vertader cinema’. Els seus anys de crític l’hi van servir per conèixer molt bé quin era el cinema que l’interessava i quin creia que era el cinema que interessava al públic. ‘Los 400 golpes’ és una pel·lícula ‘vital’ no per la seva importància, que també, sinó perquè la seva raó de ser és mostrar-nos la vida d’un nen adolescent. Antoine Doinel és un nen que viu al París de finals dels 50. La seva vida no té res d’especial però les circumstàncies de la seva existència el portaran a passar de viure amb els seus pares, amb els quals no té una relació massa afectiva, a viure en un centre per a menors delinqüents. El perquè d’aquest canvi existencial és la suma de petits detalls cent per cent creïbles que porten Antoine a convertir-se en un ‘petit lladre’ acompanyat pel seu amic René. La pel·lícula sembla una cursa en la què es demostra que la vida quotidiana també pot ser interessant. No sempre ens trobarem amb històries espectaculars i increïbles però sí que veurem com tots els actes quotidians tenen una repercussió que pot canviar-nos totalment l’existència.
Truffaut admet en algun dels seus textos que el personatge d’Antoine Doinel és el seu alter ego. La pel·lícula està farcida de vivències autobiogràfiques que ajuden a crear el clima realista que defensava l’autor. Aquesta pel·lícula està carregada de sentiment perquè el realitzador hi aboca en ella una part del seu ‘jo’ més íntim. Ens regala una part de la seva vida. Les situacions que es poden observar a la pel·lícula van traçant una línia que conduirà Antoine a un final trist per la seva edat. Però darrere de tot això s’amaga una poètica. El nen mai no ha vist el mar i la seva fugida final del centre de menors el conduirà fins als peus de l’inmensitat blava. El final és ambigu però el mar es pot considerar com una via d’escapament d’una existència poc afortunada per una persona de tan curta edat.
‘Los 400 golpes’ és un exercici de cinema naturalista. Els plans s’adeqüen el màxim possible a la realitat de l’escena: hi ha molt pocs talls i les seqüències són llargues. El llenguatge de la pel·lícula intenta ser el més fidel possible a la realitat. Aquesta tècnica de rodatge ens sembla avui en dia una mica lenta degut a la rapidesa de muntatge a què ens té acostumats el cinema comercial actual del qual la majoria en som consumidors.
‘Los 400 golpes’ és, en resum, la història que tots hem viscut d’una o altra manera. La seva naturalitat fan possible que el seu missatge no caduqui amb el temps ja que la màxima sembla prou clara: la vida és dura però s’ha de tirar endavant.

martes, 25 de diciembre de 2007

El exorcista: El comienzo; de Paul Schrader

Director: Paul Schrader
País: EEEUU
Año: 2004
Reparto: Stellan Skarsgard, Gabriel Mann, Calra bellar, Ralph Brown, Adrew French, Billy Crawford, Israel Aduramo, Antonie Kamerling.

Al ver esta película, una se pregunta: ¿es esto de Paul Schrader, el crítico ácido, el guionista exigente, el responsable de Taxi Driver y Rock Star? y luego, después de una sesión de documentación llegan respuestas: al parecer la filmación de esta película no fue un camino de rosas y otro director, Reny Harlin, hizo algo de trabajo previo. Después tomó las riendas Paul Schrader y firmó la autoría. Otras críticas sobre esta película no la dejaron demasiado bien y, a mi parecer, este film es pasable, resulta entretenido, pero no me parece ninguna obra maestra ya que adolece de algunos problemas, que se podrían haber resuelto un poco mejor.

El protagonista es el padre Francis, un sacerdote que en Holanda, en el año 1944 es testimonio del asesinato de unas personas inocentes por parte del ejército y no tiene el valor de salir en la defensa de las víctimas. Un travelling que enfoca la mirada del religioso y luego se aleja nos indica que aquel punto es determinante para el resto de la historia. En efecto, a partir del momento en el que el héroe siente la contradicción interna que supone ser miembro de la Iglesia cristiana y, a la vez, cómplice de unos asesinos; empieza el nudo de la historia. Con el objetivo de desenterrar las ruinas de una iglesia que se han hallado en África, 3 años más tarde el religioso se traslada hasta donde se encuentran las excavaciones para ponerse al mando del proyecto. Un sacerdote mucho más joven que él será el personaje espejo del principal y no evolucionará, representando siempre el espíritu conservador de la Iglesia y atribuyendo un seguido de acontecimientos paranormales que se suceden a las fuerzas del bien y del mal. Este personaje representa la doctrina Calvinista, en la que fue educado Schrader, ya que Dios Todopoderoso es la explicación a los acontecimientos de la historia. El tema principal de la historia es, por tanto, la lucha del bien y el mal y las contradicciones del alma humana.

Lo peor de la película es el montón de efectos especiales de dudosa calidad (por ejemplo, las hienas y serpientes que simbolizan al diablo, son productos de informáticos de bajo presupuesto). Pero, por otra parte, cabe destacar que la estética audivisual es efectiva en tanto que el antihéroe de la historia o, lo que es lo mismo, el hombre poseido por el diablo, visualmente, tiene una apariencia más humana cuanto peor se comporta, cuando se convierte en Satán. En cambio, cuando sus acciones son bondadosas, este personaje es una persona poco humanizada, con muchos defectos físicos (una mano paralizada, problemas de habla y de comprensión...) Quizás este es el mayor logro del film y por lo que merece la pena alabar el trabajo de Schrader: el director consigue transmitir el mensaje de la lucha interna y, mediante la mezcla de imágenes oníricas y reales consigue una poética que nos transmite que el peor enemigo de la humanidad son los propios hombres y que no hace falta recurrir a explicaciones de tipo místico. ¿Peli de aventuras con efectos especiales un poco cutres o reflexión y mensaje moral? Cada uno que interprete lo que quiera, pero que no se sienta culpable si hace una cabezadita.

lunes, 24 de diciembre de 2007

Truffaut: Los cuatrocientos golpes

Director: François Truffaut
Guión: François Truffaut
Intérpretes: Jean-Pierre Léaud, Claire Maurier, Albert Rémy, Guy Decomble.
Año: 1959
País: Francia


Su opera prima, carta de presentación al mundo del movimiento de la Nouvelle Vague, despojada de las pretensiones y adornos del cine de aquellos años, nos muestra la realidad del Paris de los años 50 desde la perspectiva de un niño. El film cuenta la historia de Antoine Doinel, alter ego del propio François Truffaut, un adolescente incomprendido por su familia, pues su madre lo aborrece y su padre acaba por sentir lo mismo. La falta de atención de su familia hacen de Doinel un alumno díscolo en el colegio, y finalmente sus travesuras y la mala suerte hacen que se vaya viendo encaminado hacia el delito. En el momento en el que lo comete, su propia madre hace lo posible por deshacerse del muchacho, que acabará internado en un centro para menores delincuentes.

El novedoso estilo técnico empleado por Truffaut, siguiendo los postulados de la Nouvelle Vague, inundaron la película de una puesta en escena transparente y neutra. Abundan los travellings y los encuadres de cámara dinámicos, y la película esta llena de abundantes referencias culturales del propio Truffaut, quien siempre sintió una gran pasión por el cine y la literatura.
En cuanto a la temática de “Los cuatrocientos golpes”, Truffaut decidió reflexionar acerca de los valores sociales que imperaban en su época. Las instituciones familiares, escolares y carcelarias son críticadas abiertamente, y es en la compasión demostrada hacia Doinel, donde vemos al propio Truffaut redimirse de su propia infancia y la incomprensión que le demostraron sus padres.

Sin duda, este es un film vitalista, cuidado, que fue un punto de inflexión importante en el cine francés. No es un film marcado por el optimismo, pero tampoco llega al pesimismo, pues como dijo el propio Truffaut, “no se puede poner un final optimista, porque la vida no es optimista. Pero tampoco se puede poner un final pesimista, porque sería un desastre comercial”. Es una historia hermosa y bien conjugada que, como no podía ser de otra manera, Truffaut la dedicó a su gran maestro y guardián, quien le pulió en el arte de la critica cinematográfica, André Bazin.

Jules et Jim, o Catherine a secas

Bastan sólo unos minutos frente a la pantalla para constatar que estamos ante una obra de arte en movimiento. Si la ‘teoría de autor’ propugna la idea de poner al cineasta a la altura de otros artistas como los pintores o los escritores, aquí nos encontramos con unos diálogos que podrían pertenecer a cualquier obra maestra de la literatura contemporánea. Sólo los diálogos hacen de esta película una de las mejores experiencias que se pueden tener frente a una pantalla de cien, incluso aunque el proyector se hubiera estropeado y sólo tuviéramos acceso al audio. Jules et Jim es una película que se puede disfrutar con los ojos cerrados, y eso es decir mucho. “Usted no ha conocido a muchas mujeres, yo, en cambio he conocido a muchos hombres. Tal vez con el promedio podamos formar una pareja honesta.”


No obstante sería una lástima que nuestros ojos estuvieran cerrados o el proyector estropeado porque es mucho lo que esta película tiene que ofrecer visualmente. La puesta en escena está compuesta con un mimo infinito, mostrando disposiciones nunca vistas en la época del estreno. A través de la puesta en escena la película nos regala innumerables momentos mágicos como la escena en la que Jim regala a Jules y Catherine un par de sombreros y estos se los colocan al revés por equivocación y a continuación rectifican. O cuando Jules está jugando con Sabine en el exterior de la casa y Catherine y Jim se unen y Sabine vuela de los brazos de uno a las del otro, para a continuación salir corriendo los cuatro de la casa. Por no hablar del magistral momento en el que el trío con Catherine disfrazada de Thomas, hacen la carrera en el puente.

La película está rodada con pasión y alegría. Esto da lugar a una película que en su momento fue audaz y rompedora y que a día de hoy sigue siendo moderna y actual. Una cantidad abundante del metraje contiene planos y movimientos de cámara tremendamente novedosos y rompedores. Sin embargo nos encontramos con un montaje fluido a pesar de todo. Las secuencias se suceden sin que apenas nos demos cuenta. Tengo grabado en la memoria el momento en el que Catherine muestra a Jules y Jim las caras que solía componer antes de conocerles, y con cada pose la imagen queda congelada un instante. Una vez que termina de hacer poses la acción continua fluyendo sin dar la sensación de haberse detenido en ningún momento.

Es curiosa la forma en cómo se refleja el paso del tiempo. Durante la película asistimos al discurrir de muchos años, y sin embargo todo parece acontecer en un instante como una memoria rescatada, mágica. Sólo la guerra detiene durante un tiempo la acción, como un estado de vida suspendida, ya que no se sabe si alguno de nuestros héroes será sacrificado. Jim dice: “A veces en la trinchera tengo miedo de matar a Jules.” Y cuando Jules es desplazado: “Pero es mejor así, de lo contrario temo constantemente matar a Jim.”

Los actores se encuentran totalmente a la altura de las circunstancias. Oskar Werner y Henri Serre son unos perfectos Jules y Jim, pero quizá sería justo decir que en el plano interpretativo, está película pertenece a Jeanne Moreu. La forma en cómo crea el personaje de Catherine sin caer en la histeria fácil, simplemente haciéndola impredecible, y dejando que el resto se haga sentir bajo la superficie calmada es sencillamente magistral.

Y esta es Jules et Jim, donde Truffaut se demuestra que se puede ser coherente y defender cómo artista los mismos postulados que propugnó como teórico. Jules et Jim está cargada de momentos poéticos que nacen de la pasión del artista que está detrás de ella. Hay quien acusó a Truffaut de ser algo conservador como cineasta en relación a la propuestas radicales que hizo como crítico. Yo no podría estar más en desacuerdo, y momentos como éste dejan poco lugar a la duda:

Jules: “Un ángel pasa”.
Jim: “Es normal, es la una y veinte”.

Les Quatre cents coups

Com veig que van fer bastants dels companys, vaig triar Les Quatre cents coups per veure la primera obra d'un cineasta tan il·lustre com François Truffaut, i la veritat és que des del primer moment em va sobtar la clara declaració de intencions. La dedicatòria a André Bazin (mort al novembre de 1958 sense poder veure-la) ja mostrava que Truffaut volia fer el que ell havia defensat des de les pàgines de Cahiers du Cinéma: una obra d'autor, una pel·lícula on deixar el seu segell personal i no només una tasca tècnica de realització.
I el seu segell va quedar (i va perpetuar-se posteriorment graciés a altres films amb el mateix protagonista) a través del personatge d'Antoine Doinel, nen rebel i problemàtic a l'escola, i clar representant de la infantesa de Truffaut, tot i no tractar-se d'un film autobiogràfic (o no del tot, si més no).
Les sensacions que transmet Truffaut resulten naturals i realistes, sense excessos ni teatralismes, senzillament va fervir les eines que té, com son els personatges i els seus sentiments, per fer una vetllada crítica al sistema social francès de l'època, atacant-ne els pilars bàsics fonamentals, com ara l'educació o el matrimoni.
Antoine Doinel, el protagonista, no és un bon estudiant i com a tal té problemes d'actitud a l'escola, on els professors no li mostren cap mena d'empatia. A més, a casa la situació no millora: la seva mare no el recolza i el seu pare no exerceix com a tal. Tot plegat fa entrar a Antonie en un espiral autodestructiu del que n'és conscient i vol sortir-se'n, però es veu atrapat dins de les xarxes del sistema, fins que n'aconsegueix fugir, literalment, potser per construir-se una nova vida...